드레이퍼리

주름을 묘사하는 기법은 미술사조와 양식에 따라 다를 뿐 아니라 화가마다 분명하게 구별된다. 주름을 처리하는 기법은 옷감의 성질과는 거의 아무런 관계가 없고 대체로 걸치고 있는 옷 속의 인체 자체를 표현한다는 점에서 중요하다.

그리스 로마의 미술에서는 주름을 단순하고 꼼꼼하게 처리하는 것에서부터 자연스럽게 흐르는 듯한 선들로 옷 속의 몸매를 드러내는 것에 이르기까지 그 기법이 다양했다. 헬레니즘 시대에는 선보다 양감 표현에 주력했다(→ 고전주의). 중세의 그리스도교 초상화가들은 드레이퍼리의 고전적인 전통을 따랐으며 그리스도, 성모 마리아, 12사도들에게 고증과는 관계없이 로마사람들이 입었던 토가와 비슷한 옷을 입혔다.

13세기 이후의 유럽 고딕 양식에서는 부드러운 주름들이 상호교차되어 나타나는데, 이 전통은 줄무늬를 이용하는 등 고전미술의 영향을 받아 수정된 형태로 르네상스 시대 미술가들에게 전승되어 투명하고 몸매가 드러나는 옷으로 나타났다. 마니에리스모와 바로크 양식에서는 드레이퍼리의 극적 효과를 강조했으며, 이때 많은 화가들은 옷과 주름만 소묘하고 색칠하는 전문가들을 화실에 두기 시작했다(→ 르네상스 미술, 바로크 예술).

19세기 프랑스에서는, 제2제정기에 사치스러운 드레스가 등장하면서 당시 생활상을 그리던 화가들은 드레이퍼리에 관심을 두지 않을 수 없었으며, 아르 누보(art nouveau)의 도래로 드레이퍼리는 더욱 중요하게 되었다. 또한 19세기에 패션 잡지와 고급의상실이 발달하면서 패션 데생은 드레이퍼리 데생에서 분리되어 하나의 예술형태로 발전했다.